摘要:拉夫曼专注于互联网题材的创作,是西方炙手可热的当代艺术家。他的作品风格渐从浪漫走向悲观阴暗。



撰文 | 吴可佳

OR--商业新媒体 】在刚刚结束的第58届威尼斯艺术双年展上,加拿大艺术家乔恩•拉夫曼(Jon Rafman)有两件影像作品入选主题展:“梦的日记”(Dream Journal)和“阳光下的灾难”(Disasters under the Sun)。作为全球当前最知名的新媒体艺术家之一,拉夫曼是最早的一批以互联网为创作媒介的艺术家。他的成名作——于2008年开始创作、2011年完成的“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View)探讨了互联网在发展早期为人们体察世界所带来的新视野。拉夫曼的艺术创作触及了科技对于当代意识的影响,结合网络世界的丰富词汇,创造出与现今世界具有批判性关联的诗意叙事。拉夫曼深入研究了网络世界的亚文化,在其影像作品中分析了多人视频游戏和诸如《第二人生》等3D虚拟社区的用户行为。他的影像作品常常呈现执迷的主人公,他们的生活围绕着网络游戏和其他数字空间活动,被介于真实生活和数字现实之间的超个性化思维所吸引。拉夫曼的作品对这种现象进行了微妙地探索,同时又不做出道德判断。他的影像和装置作品充满机智与奇幻,并伴随深刻的忧虑感。

拉夫曼入选本届威尼斯双年展的两件作品,以批判性的角度讲述了当今互联网文化的阴暗面,并想象了随之所带来的反乌托邦科幻未来。

今年12月21日即将举办的深港城市/建筑双城双年展,拉夫曼也是参选艺术家。在本届建筑双年展开幕前夕,FT中文网《谈艺录》与拉夫曼探讨了他参加威双的影像作品、作为新媒体艺术家的创作历程,以及对于未来数字媒体艺术,特别是人工智能(AI)和虚拟现实(VR)的预见。

艺术家乔恩•拉夫曼1981年出生于加拿大蒙特利尔,以跨媒介的艺术创作而闻名。其作品包括摄影、雕塑、影像、虚拟现实及装置。拉夫曼曾经在加拿大麦吉尔大学学习哲学和文学,之后获得芝加哥艺术学院的艺术创作硕士学位。

拉夫曼最近几年的个展包括:“精神旅行者”(The Mental Traveller),Fondazione Modena Arti Visive (2018);“梦的日记16’-17’“,Sprueth Magers Berlin (2017);”我有一万只复眼,每只都被称为苦难“,阿姆斯特丹Stedelijk美术馆(2016)、曼斯特威斯费利舍尔艺术馆(Westfälischer Kunstverein, Munster)(2016)、蒙特利尔当代艺术馆(Musée d’art Contemporain de Montréal)(2015)。拉夫曼的作品被全球各大美术馆所收藏,包括:纽约现代艺术博物馆(Museum of Moder Art)、阿姆斯特丹Stedelijk美术馆、斯德哥尔摩现代艺术博物馆(Moderna Museet)等。

吴可佳:今年的威尼斯艺术双年展,主题为“愿你生于有趣的时代”,您在主题馆有两件影像作品参展。能否和我们谈谈,选择这两件作品有怎样的考虑?

乔恩•拉夫曼:今年“威双”我参展的影像之一,“梦的日记 2016-2019”(Dream Journal 2016-2019),是与本次双年展主题相契合的。这个作品开始于2016年,我每做一个梦,就详细记录下来:梦中是怎样的情景等等,然后发给我在网上找到的一名电脑动画制作师,由他将这些描述转为电脑动画。我从来没见过他,我们只是通过网上联络。

这个过程差不多持续了三年,之后我将这些动画剪辑,建立一个故事主线,确定了故事的主角,以及她的各种冒险历程。虽然作品的创作过程来源于油然而生的梦境,但成形后的作品揭示了当代世界潜意识的诸多元素。

吴可佳:我曾经看过这帧影像早期比较短的版本。在今年“威双”期间展出的是一个加长的版本吗?

乔恩•拉夫曼:我试图展现一个永无止境的故事,可以不断地发展下去。2019年“威双”展出的是最新的故事版本,相比你之前看到的那个版本(可能是2016-2017年的版本),我增加了一小时的内容,与以前的内容做了衔接。

吴可佳:回到这件作品的创作过程,可以想象在过去几年中产生的梦境本身是碎片状态、不连贯的。所以在创作中,您是否试图建立一个线性的叙事过程?

乔恩•拉夫曼:是的。我首先将梦境中的基本元素记录下来,转化为动画场景后,就像你说的,找到能够将它们串起来的元素。在此基础上,建立一个连贯的故事线和发展脉络。

我虽然不想对作品中的影像做出任何解释,但也不希望观众在观看过程中失去注意力。因此你能看到,在这帧影像作品中,不停地发生各种事件,而我也特别设定了一个主角,这样观众就更容易持续性地观看作品。

吴可佳:那么您今年在“威双”参展的另一件作品,“阳光下的灾难”(Disasters Under The Sun )。它的创作过程又是怎样的?

乔恩•拉夫曼:“阳光下的灾难”的制作过程与“梦的日记”截然不同。这件影像作品上半部分的内容是基于我2017年在洛杉矶展出的作品“可怜的魔法”(Poor Magic)。在创作的过程中,我与另一位电脑动画制作师合作,采用了好莱坞电影中经常运用的计算机生成人群模拟技术。

我想象了一个反乌托邦的科幻未来:人类不再有具体的物理形式,而是被上传到服务器上,以AI的形式永久性地存在,超越了物质性。在这个科幻世界中,人类虽然获得了永生,却被邪恶的AI不断地折磨。

当我用计算机图形工具时,我会参照那些被用来创作好莱坞大片中奇幻景观的关键结构,将它们简化为核心元素来进行探索——我为巴黎世家(Balenciaga)创作的影像作品也采用了类似的工作方式——将这些核心元素分解为不同的计算机生成模拟场景,并相应创造不同的环境和氛围。这个复杂的过程很难用语言来解释。

(注:巴黎世家2019年春夏时装发布会聘请拉夫曼进行了T台效果设计、以及该季发布的视频短片创作。)

吴可佳:那么这两件作品是如何切入今年“威双”的主题呢?

乔恩•拉夫曼:我认为“梦的日记”是关于人类学及下一代思想会发生什么的警示故事,也探讨了下一代如何看待我们消费媒体的方式,比如无休止的推特(Twitter)、Instagram等不断轰炸的信息碎片。

我的初衷是想创作一件影像作品来反映一个今天活着的人的思想状态:前一分钟你读到国外战争的新闻,随后你读到朋友的爱情生活,下一分钟你又看到本地新闻和发生的新事件。我们今天所获得的信息量,比过去要大得多,但它们之间并没有什么联系。

“阳光下的灾难”探索了我所能想象的最恐怖的未来,即未来不为人类所控制,而被没有任何情感的人工智能所控制。虽然表面上看,这是一个反乌托邦的科幻未来,但本质上,它描述了一个更为夸张的现实世界:当今我们的生活被一批大型科技公司所控制,它们通过掌握海量数据,试图操纵我们,我们每人的个体沦为影像中那些没有脸部特征的小蓝人。

这两件作品都反映了一个“有趣的时代”,即讨论了媒体与科技对我们的精神和意识、特别是潜意识的影响,以及科技如何令我们失去人性。

吴可佳:下面咱们来聊聊您作为艺术家的成长历程:您最初是怎么决定成为艺术家的、并如何选择最适合自己的创作语言?

乔恩•拉夫曼:我本科在加拿大麦吉尔大学学习哲学和英国文学,后来在芝加哥艺术学院获得了新媒体与影像专业的硕士学位。研究生期间,我一直在寻找一个艺术家的群落与社区,一批想法与志向相似的艺术家,相互合作,创造一个电影艺术流派,就像法国六十年代的“新浪潮”。当时的梦想是做职业电影人,比较幼稚。

毕业后我回到蒙特利尔,那时经济上非常窘困。后来接触到了一个网络上的艺术家群落,他们的创作灵感基于互联网,他们之间也合作了一段时间。这是互联网第一次全面普及,基本上成了人们日常生活的延申。对于每个人来说,互联网成为了一种新现象,给人们带来新语言和新词汇。这大概是在2007年前后。

我感觉和这批艺术家产生了共鸣——他们的创作充满了能量——就决定开始专注创作以网络为灵感的艺术作品。我那时的艺术项目包括2010年的“第二人生”(Second Life)和2011年的“谷歌街景的九眼”(The Nine Eyes of Google Street View)(注:作品名称源自谷歌拍摄街景的车上安装的九个摄像头,作品图像的素材来自于谷歌的街景。)。

“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View) (2011)

在这些作品的创作过程中,我将自己视为互联网文化的一部分,感觉上网冲浪本身就是一种创造性行为、或是好奇心实践的一部分。我和一批艺术家都在探索这个新的在线世界,通过创作不同的作品,我探索并记录了这一旅程。

例如:在谷歌街景出现之前,从未有人试图通过在公路上驾车的视角来拍摄整个世界。在“第二人生”的作品中,我沉迷于“第二人生”的游戏,在其中徘徊,只是看到了自己。

我想指出的是,这一切都发生在全球互联网普及的早期阶段,与现在的情况不同。我那时的作品也更为浪漫、更理想化,因为当时网络所引发的二元化的世界还没有出现,我和我的艺术家朋友们认为,互联网充满了潜力,更为民主,更多的人能够通过互联网发声。但在过去十年,互联网变得越来越黑暗,我近期的作品则体现了互联网更黑暗的一面。

吴可佳:您毕业后回到蒙特利尔,经济窘境,后来是如何经历事业的转折呢?

乔恩•拉夫曼: 我可以说是第一代网络艺术家,通过互联网做创作、树立自己的声望,并在网络上建立一批支持者和粉丝群体。在某种程度上,互联网也迫使我这样做。因为我当时没有其他收入,只能用手上有限的资源来创作艺术作品。通过互联网,我能够到达世界上任何一个角落,而且用Photoshop、图片合成等技术,在网上做展览。

后来,艺术市场开始关注我们这些通过互联网进行创作的艺术家。在2014年初,我的经济情况开始改善。之后陆陆续续的,就有些画廊给我举办展览。当时所遇到的挑战是,你如何将那批在互联网上完成的作品在画廊的空间里呈现。当然,现在这个问题已经不重要了。

吴可佳:现在我们来谈谈您创作风格的变化:您这几年的作品总有种预示灾难即将降临的感觉。从之前较为浪漫、乐观的作品风格到近期,作为艺术家您经历了怎样的变化?

乔恩•拉夫曼:从人文学历史来看,我们总是在反复经历这样的过程。例如:法国大革命初期,人们对它充满了理想主义、浪漫及乐观的情怀,而到后来,对法国大革命又充斥了批评与不满。那么对于互联网也有相似的过程,在互联网发展的早期,大家对它在各方面将带来的革命性的影响均抱有很高的期望,包括社会生活和艺术创作等等。

但是今天,我有时甚至希望互联网不存在。在互联网上,人们的交流不需要见面,虽然它带来了高效率,但与此同时造成的后果是人际关系的疏离。对于那些在现实生活中无法对话的人群,互联网则给他们带来非常黑暗的体验。我不想对此进行道德判断,因为技术的创新无法简单地定义为善良或者邪恶。但目前整体的互联网环境是毒害性更强。

吴可佳:从艺术家的角度,当您创作一批关于互联网之阴暗面的作品时,对自己在心理上有怎样的影响?

乔恩•拉夫曼:这是个比较难回答的问题,因为技术对我们心理的影响有时候是间接的。我不认为互联网在毁掉年轻人,它反而为年轻人提供了一种精神上的出口,让他们不至于做出疯狂的事情。 虚拟世界和现实世界是有区别的,我的作品不但体现了这一点,我也在创作中抗争:人们对于虚拟世界所存在的不现实的幻想。

吴可佳:这些年艺术界对于未来数字艺术的发展有很多讨论,包括虚拟现实(VR)、人工智能(AI)等。您怎么看数字艺术的未来?

乔恩•拉夫曼:我们的时代不同了,我想说的是,在今天一位画油画的艺术家,所受互联网的影响,完全不亚于任何进行数字艺术创作的艺术家。我觉得所谓数字和非数字艺术的分类,越来越没有意义。

好的艺术家不会受媒介的限制,他(她)能用不同的媒介、从现实世界中的不同视角来进行创作。科技、艺术史、社会元素等等,这些都是整合在一起的。

对于虚拟现实技术,我曾经以它为媒介进行创作,也认为它具有一系列有趣的潜质。尽管如此,目前的虚拟现实技术也有其局限性:例如,人们不愿意长时间被困在一个虚拟现实头盔(VR Headset)中。我也很好奇,未来几年,虚拟现实技术将发生怎样的变化。

关于AI,尽管有它的潜力,但我个人也对其抱有批评的态度。人们对于什么是AI的定义,还没有达成完全统一的意见。一批大型科技公司掌握了海量数据,以算法程序(algorithm) 对人们的行为进行分析,组织这个世界的信息,每个人都被简化为“0”或者”1“的符号,这是很恐怖的事情。■ 



(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    service@or123.top)




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对话当红艺术家:乔恩•拉夫曼

发布日期:2019-12-27 07:12
摘要:拉夫曼专注于互联网题材的创作,是西方炙手可热的当代艺术家。他的作品风格渐从浪漫走向悲观阴暗。



撰文 | 吴可佳

OR--商业新媒体 】在刚刚结束的第58届威尼斯艺术双年展上,加拿大艺术家乔恩•拉夫曼(Jon Rafman)有两件影像作品入选主题展:“梦的日记”(Dream Journal)和“阳光下的灾难”(Disasters under the Sun)。作为全球当前最知名的新媒体艺术家之一,拉夫曼是最早的一批以互联网为创作媒介的艺术家。他的成名作——于2008年开始创作、2011年完成的“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View)探讨了互联网在发展早期为人们体察世界所带来的新视野。拉夫曼的艺术创作触及了科技对于当代意识的影响,结合网络世界的丰富词汇,创造出与现今世界具有批判性关联的诗意叙事。拉夫曼深入研究了网络世界的亚文化,在其影像作品中分析了多人视频游戏和诸如《第二人生》等3D虚拟社区的用户行为。他的影像作品常常呈现执迷的主人公,他们的生活围绕着网络游戏和其他数字空间活动,被介于真实生活和数字现实之间的超个性化思维所吸引。拉夫曼的作品对这种现象进行了微妙地探索,同时又不做出道德判断。他的影像和装置作品充满机智与奇幻,并伴随深刻的忧虑感。

拉夫曼入选本届威尼斯双年展的两件作品,以批判性的角度讲述了当今互联网文化的阴暗面,并想象了随之所带来的反乌托邦科幻未来。

今年12月21日即将举办的深港城市/建筑双城双年展,拉夫曼也是参选艺术家。在本届建筑双年展开幕前夕,FT中文网《谈艺录》与拉夫曼探讨了他参加威双的影像作品、作为新媒体艺术家的创作历程,以及对于未来数字媒体艺术,特别是人工智能(AI)和虚拟现实(VR)的预见。

艺术家乔恩•拉夫曼1981年出生于加拿大蒙特利尔,以跨媒介的艺术创作而闻名。其作品包括摄影、雕塑、影像、虚拟现实及装置。拉夫曼曾经在加拿大麦吉尔大学学习哲学和文学,之后获得芝加哥艺术学院的艺术创作硕士学位。

拉夫曼最近几年的个展包括:“精神旅行者”(The Mental Traveller),Fondazione Modena Arti Visive (2018);“梦的日记16’-17’“,Sprueth Magers Berlin (2017);”我有一万只复眼,每只都被称为苦难“,阿姆斯特丹Stedelijk美术馆(2016)、曼斯特威斯费利舍尔艺术馆(Westfälischer Kunstverein, Munster)(2016)、蒙特利尔当代艺术馆(Musée d’art Contemporain de Montréal)(2015)。拉夫曼的作品被全球各大美术馆所收藏,包括:纽约现代艺术博物馆(Museum of Moder Art)、阿姆斯特丹Stedelijk美术馆、斯德哥尔摩现代艺术博物馆(Moderna Museet)等。

吴可佳:今年的威尼斯艺术双年展,主题为“愿你生于有趣的时代”,您在主题馆有两件影像作品参展。能否和我们谈谈,选择这两件作品有怎样的考虑?

乔恩•拉夫曼:今年“威双”我参展的影像之一,“梦的日记 2016-2019”(Dream Journal 2016-2019),是与本次双年展主题相契合的。这个作品开始于2016年,我每做一个梦,就详细记录下来:梦中是怎样的情景等等,然后发给我在网上找到的一名电脑动画制作师,由他将这些描述转为电脑动画。我从来没见过他,我们只是通过网上联络。

这个过程差不多持续了三年,之后我将这些动画剪辑,建立一个故事主线,确定了故事的主角,以及她的各种冒险历程。虽然作品的创作过程来源于油然而生的梦境,但成形后的作品揭示了当代世界潜意识的诸多元素。

吴可佳:我曾经看过这帧影像早期比较短的版本。在今年“威双”期间展出的是一个加长的版本吗?

乔恩•拉夫曼:我试图展现一个永无止境的故事,可以不断地发展下去。2019年“威双”展出的是最新的故事版本,相比你之前看到的那个版本(可能是2016-2017年的版本),我增加了一小时的内容,与以前的内容做了衔接。

吴可佳:回到这件作品的创作过程,可以想象在过去几年中产生的梦境本身是碎片状态、不连贯的。所以在创作中,您是否试图建立一个线性的叙事过程?

乔恩•拉夫曼:是的。我首先将梦境中的基本元素记录下来,转化为动画场景后,就像你说的,找到能够将它们串起来的元素。在此基础上,建立一个连贯的故事线和发展脉络。

我虽然不想对作品中的影像做出任何解释,但也不希望观众在观看过程中失去注意力。因此你能看到,在这帧影像作品中,不停地发生各种事件,而我也特别设定了一个主角,这样观众就更容易持续性地观看作品。

吴可佳:那么您今年在“威双”参展的另一件作品,“阳光下的灾难”(Disasters Under The Sun )。它的创作过程又是怎样的?

乔恩•拉夫曼:“阳光下的灾难”的制作过程与“梦的日记”截然不同。这件影像作品上半部分的内容是基于我2017年在洛杉矶展出的作品“可怜的魔法”(Poor Magic)。在创作的过程中,我与另一位电脑动画制作师合作,采用了好莱坞电影中经常运用的计算机生成人群模拟技术。

我想象了一个反乌托邦的科幻未来:人类不再有具体的物理形式,而是被上传到服务器上,以AI的形式永久性地存在,超越了物质性。在这个科幻世界中,人类虽然获得了永生,却被邪恶的AI不断地折磨。

当我用计算机图形工具时,我会参照那些被用来创作好莱坞大片中奇幻景观的关键结构,将它们简化为核心元素来进行探索——我为巴黎世家(Balenciaga)创作的影像作品也采用了类似的工作方式——将这些核心元素分解为不同的计算机生成模拟场景,并相应创造不同的环境和氛围。这个复杂的过程很难用语言来解释。

(注:巴黎世家2019年春夏时装发布会聘请拉夫曼进行了T台效果设计、以及该季发布的视频短片创作。)

吴可佳:那么这两件作品是如何切入今年“威双”的主题呢?

乔恩•拉夫曼:我认为“梦的日记”是关于人类学及下一代思想会发生什么的警示故事,也探讨了下一代如何看待我们消费媒体的方式,比如无休止的推特(Twitter)、Instagram等不断轰炸的信息碎片。

我的初衷是想创作一件影像作品来反映一个今天活着的人的思想状态:前一分钟你读到国外战争的新闻,随后你读到朋友的爱情生活,下一分钟你又看到本地新闻和发生的新事件。我们今天所获得的信息量,比过去要大得多,但它们之间并没有什么联系。

“阳光下的灾难”探索了我所能想象的最恐怖的未来,即未来不为人类所控制,而被没有任何情感的人工智能所控制。虽然表面上看,这是一个反乌托邦的科幻未来,但本质上,它描述了一个更为夸张的现实世界:当今我们的生活被一批大型科技公司所控制,它们通过掌握海量数据,试图操纵我们,我们每人的个体沦为影像中那些没有脸部特征的小蓝人。

这两件作品都反映了一个“有趣的时代”,即讨论了媒体与科技对我们的精神和意识、特别是潜意识的影响,以及科技如何令我们失去人性。

吴可佳:下面咱们来聊聊您作为艺术家的成长历程:您最初是怎么决定成为艺术家的、并如何选择最适合自己的创作语言?

乔恩•拉夫曼:我本科在加拿大麦吉尔大学学习哲学和英国文学,后来在芝加哥艺术学院获得了新媒体与影像专业的硕士学位。研究生期间,我一直在寻找一个艺术家的群落与社区,一批想法与志向相似的艺术家,相互合作,创造一个电影艺术流派,就像法国六十年代的“新浪潮”。当时的梦想是做职业电影人,比较幼稚。

毕业后我回到蒙特利尔,那时经济上非常窘困。后来接触到了一个网络上的艺术家群落,他们的创作灵感基于互联网,他们之间也合作了一段时间。这是互联网第一次全面普及,基本上成了人们日常生活的延申。对于每个人来说,互联网成为了一种新现象,给人们带来新语言和新词汇。这大概是在2007年前后。

我感觉和这批艺术家产生了共鸣——他们的创作充满了能量——就决定开始专注创作以网络为灵感的艺术作品。我那时的艺术项目包括2010年的“第二人生”(Second Life)和2011年的“谷歌街景的九眼”(The Nine Eyes of Google Street View)(注:作品名称源自谷歌拍摄街景的车上安装的九个摄像头,作品图像的素材来自于谷歌的街景。)。

“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View) (2011)

在这些作品的创作过程中,我将自己视为互联网文化的一部分,感觉上网冲浪本身就是一种创造性行为、或是好奇心实践的一部分。我和一批艺术家都在探索这个新的在线世界,通过创作不同的作品,我探索并记录了这一旅程。

例如:在谷歌街景出现之前,从未有人试图通过在公路上驾车的视角来拍摄整个世界。在“第二人生”的作品中,我沉迷于“第二人生”的游戏,在其中徘徊,只是看到了自己。

我想指出的是,这一切都发生在全球互联网普及的早期阶段,与现在的情况不同。我那时的作品也更为浪漫、更理想化,因为当时网络所引发的二元化的世界还没有出现,我和我的艺术家朋友们认为,互联网充满了潜力,更为民主,更多的人能够通过互联网发声。但在过去十年,互联网变得越来越黑暗,我近期的作品则体现了互联网更黑暗的一面。

吴可佳:您毕业后回到蒙特利尔,经济窘境,后来是如何经历事业的转折呢?

乔恩•拉夫曼: 我可以说是第一代网络艺术家,通过互联网做创作、树立自己的声望,并在网络上建立一批支持者和粉丝群体。在某种程度上,互联网也迫使我这样做。因为我当时没有其他收入,只能用手上有限的资源来创作艺术作品。通过互联网,我能够到达世界上任何一个角落,而且用Photoshop、图片合成等技术,在网上做展览。

后来,艺术市场开始关注我们这些通过互联网进行创作的艺术家。在2014年初,我的经济情况开始改善。之后陆陆续续的,就有些画廊给我举办展览。当时所遇到的挑战是,你如何将那批在互联网上完成的作品在画廊的空间里呈现。当然,现在这个问题已经不重要了。

吴可佳:现在我们来谈谈您创作风格的变化:您这几年的作品总有种预示灾难即将降临的感觉。从之前较为浪漫、乐观的作品风格到近期,作为艺术家您经历了怎样的变化?

乔恩•拉夫曼:从人文学历史来看,我们总是在反复经历这样的过程。例如:法国大革命初期,人们对它充满了理想主义、浪漫及乐观的情怀,而到后来,对法国大革命又充斥了批评与不满。那么对于互联网也有相似的过程,在互联网发展的早期,大家对它在各方面将带来的革命性的影响均抱有很高的期望,包括社会生活和艺术创作等等。

但是今天,我有时甚至希望互联网不存在。在互联网上,人们的交流不需要见面,虽然它带来了高效率,但与此同时造成的后果是人际关系的疏离。对于那些在现实生活中无法对话的人群,互联网则给他们带来非常黑暗的体验。我不想对此进行道德判断,因为技术的创新无法简单地定义为善良或者邪恶。但目前整体的互联网环境是毒害性更强。

吴可佳:从艺术家的角度,当您创作一批关于互联网之阴暗面的作品时,对自己在心理上有怎样的影响?

乔恩•拉夫曼:这是个比较难回答的问题,因为技术对我们心理的影响有时候是间接的。我不认为互联网在毁掉年轻人,它反而为年轻人提供了一种精神上的出口,让他们不至于做出疯狂的事情。 虚拟世界和现实世界是有区别的,我的作品不但体现了这一点,我也在创作中抗争:人们对于虚拟世界所存在的不现实的幻想。

吴可佳:这些年艺术界对于未来数字艺术的发展有很多讨论,包括虚拟现实(VR)、人工智能(AI)等。您怎么看数字艺术的未来?

乔恩•拉夫曼:我们的时代不同了,我想说的是,在今天一位画油画的艺术家,所受互联网的影响,完全不亚于任何进行数字艺术创作的艺术家。我觉得所谓数字和非数字艺术的分类,越来越没有意义。

好的艺术家不会受媒介的限制,他(她)能用不同的媒介、从现实世界中的不同视角来进行创作。科技、艺术史、社会元素等等,这些都是整合在一起的。

对于虚拟现实技术,我曾经以它为媒介进行创作,也认为它具有一系列有趣的潜质。尽管如此,目前的虚拟现实技术也有其局限性:例如,人们不愿意长时间被困在一个虚拟现实头盔(VR Headset)中。我也很好奇,未来几年,虚拟现实技术将发生怎样的变化。

关于AI,尽管有它的潜力,但我个人也对其抱有批评的态度。人们对于什么是AI的定义,还没有达成完全统一的意见。一批大型科技公司掌握了海量数据,以算法程序(algorithm) 对人们的行为进行分析,组织这个世界的信息,每个人都被简化为“0”或者”1“的符号,这是很恐怖的事情。■ 



(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    service@or123.top)




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摘要:拉夫曼专注于互联网题材的创作,是西方炙手可热的当代艺术家。他的作品风格渐从浪漫走向悲观阴暗。



撰文 | 吴可佳

OR--商业新媒体 】在刚刚结束的第58届威尼斯艺术双年展上,加拿大艺术家乔恩•拉夫曼(Jon Rafman)有两件影像作品入选主题展:“梦的日记”(Dream Journal)和“阳光下的灾难”(Disasters under the Sun)。作为全球当前最知名的新媒体艺术家之一,拉夫曼是最早的一批以互联网为创作媒介的艺术家。他的成名作——于2008年开始创作、2011年完成的“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View)探讨了互联网在发展早期为人们体察世界所带来的新视野。拉夫曼的艺术创作触及了科技对于当代意识的影响,结合网络世界的丰富词汇,创造出与现今世界具有批判性关联的诗意叙事。拉夫曼深入研究了网络世界的亚文化,在其影像作品中分析了多人视频游戏和诸如《第二人生》等3D虚拟社区的用户行为。他的影像作品常常呈现执迷的主人公,他们的生活围绕着网络游戏和其他数字空间活动,被介于真实生活和数字现实之间的超个性化思维所吸引。拉夫曼的作品对这种现象进行了微妙地探索,同时又不做出道德判断。他的影像和装置作品充满机智与奇幻,并伴随深刻的忧虑感。

拉夫曼入选本届威尼斯双年展的两件作品,以批判性的角度讲述了当今互联网文化的阴暗面,并想象了随之所带来的反乌托邦科幻未来。

今年12月21日即将举办的深港城市/建筑双城双年展,拉夫曼也是参选艺术家。在本届建筑双年展开幕前夕,FT中文网《谈艺录》与拉夫曼探讨了他参加威双的影像作品、作为新媒体艺术家的创作历程,以及对于未来数字媒体艺术,特别是人工智能(AI)和虚拟现实(VR)的预见。

艺术家乔恩•拉夫曼1981年出生于加拿大蒙特利尔,以跨媒介的艺术创作而闻名。其作品包括摄影、雕塑、影像、虚拟现实及装置。拉夫曼曾经在加拿大麦吉尔大学学习哲学和文学,之后获得芝加哥艺术学院的艺术创作硕士学位。

拉夫曼最近几年的个展包括:“精神旅行者”(The Mental Traveller),Fondazione Modena Arti Visive (2018);“梦的日记16’-17’“,Sprueth Magers Berlin (2017);”我有一万只复眼,每只都被称为苦难“,阿姆斯特丹Stedelijk美术馆(2016)、曼斯特威斯费利舍尔艺术馆(Westfälischer Kunstverein, Munster)(2016)、蒙特利尔当代艺术馆(Musée d’art Contemporain de Montréal)(2015)。拉夫曼的作品被全球各大美术馆所收藏,包括:纽约现代艺术博物馆(Museum of Moder Art)、阿姆斯特丹Stedelijk美术馆、斯德哥尔摩现代艺术博物馆(Moderna Museet)等。

吴可佳:今年的威尼斯艺术双年展,主题为“愿你生于有趣的时代”,您在主题馆有两件影像作品参展。能否和我们谈谈,选择这两件作品有怎样的考虑?

乔恩•拉夫曼:今年“威双”我参展的影像之一,“梦的日记 2016-2019”(Dream Journal 2016-2019),是与本次双年展主题相契合的。这个作品开始于2016年,我每做一个梦,就详细记录下来:梦中是怎样的情景等等,然后发给我在网上找到的一名电脑动画制作师,由他将这些描述转为电脑动画。我从来没见过他,我们只是通过网上联络。

这个过程差不多持续了三年,之后我将这些动画剪辑,建立一个故事主线,确定了故事的主角,以及她的各种冒险历程。虽然作品的创作过程来源于油然而生的梦境,但成形后的作品揭示了当代世界潜意识的诸多元素。

吴可佳:我曾经看过这帧影像早期比较短的版本。在今年“威双”期间展出的是一个加长的版本吗?

乔恩•拉夫曼:我试图展现一个永无止境的故事,可以不断地发展下去。2019年“威双”展出的是最新的故事版本,相比你之前看到的那个版本(可能是2016-2017年的版本),我增加了一小时的内容,与以前的内容做了衔接。

吴可佳:回到这件作品的创作过程,可以想象在过去几年中产生的梦境本身是碎片状态、不连贯的。所以在创作中,您是否试图建立一个线性的叙事过程?

乔恩•拉夫曼:是的。我首先将梦境中的基本元素记录下来,转化为动画场景后,就像你说的,找到能够将它们串起来的元素。在此基础上,建立一个连贯的故事线和发展脉络。

我虽然不想对作品中的影像做出任何解释,但也不希望观众在观看过程中失去注意力。因此你能看到,在这帧影像作品中,不停地发生各种事件,而我也特别设定了一个主角,这样观众就更容易持续性地观看作品。

吴可佳:那么您今年在“威双”参展的另一件作品,“阳光下的灾难”(Disasters Under The Sun )。它的创作过程又是怎样的?

乔恩•拉夫曼:“阳光下的灾难”的制作过程与“梦的日记”截然不同。这件影像作品上半部分的内容是基于我2017年在洛杉矶展出的作品“可怜的魔法”(Poor Magic)。在创作的过程中,我与另一位电脑动画制作师合作,采用了好莱坞电影中经常运用的计算机生成人群模拟技术。

我想象了一个反乌托邦的科幻未来:人类不再有具体的物理形式,而是被上传到服务器上,以AI的形式永久性地存在,超越了物质性。在这个科幻世界中,人类虽然获得了永生,却被邪恶的AI不断地折磨。

当我用计算机图形工具时,我会参照那些被用来创作好莱坞大片中奇幻景观的关键结构,将它们简化为核心元素来进行探索——我为巴黎世家(Balenciaga)创作的影像作品也采用了类似的工作方式——将这些核心元素分解为不同的计算机生成模拟场景,并相应创造不同的环境和氛围。这个复杂的过程很难用语言来解释。

(注:巴黎世家2019年春夏时装发布会聘请拉夫曼进行了T台效果设计、以及该季发布的视频短片创作。)

吴可佳:那么这两件作品是如何切入今年“威双”的主题呢?

乔恩•拉夫曼:我认为“梦的日记”是关于人类学及下一代思想会发生什么的警示故事,也探讨了下一代如何看待我们消费媒体的方式,比如无休止的推特(Twitter)、Instagram等不断轰炸的信息碎片。

我的初衷是想创作一件影像作品来反映一个今天活着的人的思想状态:前一分钟你读到国外战争的新闻,随后你读到朋友的爱情生活,下一分钟你又看到本地新闻和发生的新事件。我们今天所获得的信息量,比过去要大得多,但它们之间并没有什么联系。

“阳光下的灾难”探索了我所能想象的最恐怖的未来,即未来不为人类所控制,而被没有任何情感的人工智能所控制。虽然表面上看,这是一个反乌托邦的科幻未来,但本质上,它描述了一个更为夸张的现实世界:当今我们的生活被一批大型科技公司所控制,它们通过掌握海量数据,试图操纵我们,我们每人的个体沦为影像中那些没有脸部特征的小蓝人。

这两件作品都反映了一个“有趣的时代”,即讨论了媒体与科技对我们的精神和意识、特别是潜意识的影响,以及科技如何令我们失去人性。

吴可佳:下面咱们来聊聊您作为艺术家的成长历程:您最初是怎么决定成为艺术家的、并如何选择最适合自己的创作语言?

乔恩•拉夫曼:我本科在加拿大麦吉尔大学学习哲学和英国文学,后来在芝加哥艺术学院获得了新媒体与影像专业的硕士学位。研究生期间,我一直在寻找一个艺术家的群落与社区,一批想法与志向相似的艺术家,相互合作,创造一个电影艺术流派,就像法国六十年代的“新浪潮”。当时的梦想是做职业电影人,比较幼稚。

毕业后我回到蒙特利尔,那时经济上非常窘困。后来接触到了一个网络上的艺术家群落,他们的创作灵感基于互联网,他们之间也合作了一段时间。这是互联网第一次全面普及,基本上成了人们日常生活的延申。对于每个人来说,互联网成为了一种新现象,给人们带来新语言和新词汇。这大概是在2007年前后。

我感觉和这批艺术家产生了共鸣——他们的创作充满了能量——就决定开始专注创作以网络为灵感的艺术作品。我那时的艺术项目包括2010年的“第二人生”(Second Life)和2011年的“谷歌街景的九眼”(The Nine Eyes of Google Street View)(注:作品名称源自谷歌拍摄街景的车上安装的九个摄像头,作品图像的素材来自于谷歌的街景。)。

“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View) (2011)

在这些作品的创作过程中,我将自己视为互联网文化的一部分,感觉上网冲浪本身就是一种创造性行为、或是好奇心实践的一部分。我和一批艺术家都在探索这个新的在线世界,通过创作不同的作品,我探索并记录了这一旅程。

例如:在谷歌街景出现之前,从未有人试图通过在公路上驾车的视角来拍摄整个世界。在“第二人生”的作品中,我沉迷于“第二人生”的游戏,在其中徘徊,只是看到了自己。

我想指出的是,这一切都发生在全球互联网普及的早期阶段,与现在的情况不同。我那时的作品也更为浪漫、更理想化,因为当时网络所引发的二元化的世界还没有出现,我和我的艺术家朋友们认为,互联网充满了潜力,更为民主,更多的人能够通过互联网发声。但在过去十年,互联网变得越来越黑暗,我近期的作品则体现了互联网更黑暗的一面。

吴可佳:您毕业后回到蒙特利尔,经济窘境,后来是如何经历事业的转折呢?

乔恩•拉夫曼: 我可以说是第一代网络艺术家,通过互联网做创作、树立自己的声望,并在网络上建立一批支持者和粉丝群体。在某种程度上,互联网也迫使我这样做。因为我当时没有其他收入,只能用手上有限的资源来创作艺术作品。通过互联网,我能够到达世界上任何一个角落,而且用Photoshop、图片合成等技术,在网上做展览。

后来,艺术市场开始关注我们这些通过互联网进行创作的艺术家。在2014年初,我的经济情况开始改善。之后陆陆续续的,就有些画廊给我举办展览。当时所遇到的挑战是,你如何将那批在互联网上完成的作品在画廊的空间里呈现。当然,现在这个问题已经不重要了。

吴可佳:现在我们来谈谈您创作风格的变化:您这几年的作品总有种预示灾难即将降临的感觉。从之前较为浪漫、乐观的作品风格到近期,作为艺术家您经历了怎样的变化?

乔恩•拉夫曼:从人文学历史来看,我们总是在反复经历这样的过程。例如:法国大革命初期,人们对它充满了理想主义、浪漫及乐观的情怀,而到后来,对法国大革命又充斥了批评与不满。那么对于互联网也有相似的过程,在互联网发展的早期,大家对它在各方面将带来的革命性的影响均抱有很高的期望,包括社会生活和艺术创作等等。

但是今天,我有时甚至希望互联网不存在。在互联网上,人们的交流不需要见面,虽然它带来了高效率,但与此同时造成的后果是人际关系的疏离。对于那些在现实生活中无法对话的人群,互联网则给他们带来非常黑暗的体验。我不想对此进行道德判断,因为技术的创新无法简单地定义为善良或者邪恶。但目前整体的互联网环境是毒害性更强。

吴可佳:从艺术家的角度,当您创作一批关于互联网之阴暗面的作品时,对自己在心理上有怎样的影响?

乔恩•拉夫曼:这是个比较难回答的问题,因为技术对我们心理的影响有时候是间接的。我不认为互联网在毁掉年轻人,它反而为年轻人提供了一种精神上的出口,让他们不至于做出疯狂的事情。 虚拟世界和现实世界是有区别的,我的作品不但体现了这一点,我也在创作中抗争:人们对于虚拟世界所存在的不现实的幻想。

吴可佳:这些年艺术界对于未来数字艺术的发展有很多讨论,包括虚拟现实(VR)、人工智能(AI)等。您怎么看数字艺术的未来?

乔恩•拉夫曼:我们的时代不同了,我想说的是,在今天一位画油画的艺术家,所受互联网的影响,完全不亚于任何进行数字艺术创作的艺术家。我觉得所谓数字和非数字艺术的分类,越来越没有意义。

好的艺术家不会受媒介的限制,他(她)能用不同的媒介、从现实世界中的不同视角来进行创作。科技、艺术史、社会元素等等,这些都是整合在一起的。

对于虚拟现实技术,我曾经以它为媒介进行创作,也认为它具有一系列有趣的潜质。尽管如此,目前的虚拟现实技术也有其局限性:例如,人们不愿意长时间被困在一个虚拟现实头盔(VR Headset)中。我也很好奇,未来几年,虚拟现实技术将发生怎样的变化。

关于AI,尽管有它的潜力,但我个人也对其抱有批评的态度。人们对于什么是AI的定义,还没有达成完全统一的意见。一批大型科技公司掌握了海量数据,以算法程序(algorithm) 对人们的行为进行分析,组织这个世界的信息,每个人都被简化为“0”或者”1“的符号,这是很恐怖的事情。■ 



(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    service@or123.top)




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对话当红艺术家:乔恩•拉夫曼

发布日期:2019-12-27 07:12
摘要:拉夫曼专注于互联网题材的创作,是西方炙手可热的当代艺术家。他的作品风格渐从浪漫走向悲观阴暗。



撰文 | 吴可佳

OR--商业新媒体 】在刚刚结束的第58届威尼斯艺术双年展上,加拿大艺术家乔恩•拉夫曼(Jon Rafman)有两件影像作品入选主题展:“梦的日记”(Dream Journal)和“阳光下的灾难”(Disasters under the Sun)。作为全球当前最知名的新媒体艺术家之一,拉夫曼是最早的一批以互联网为创作媒介的艺术家。他的成名作——于2008年开始创作、2011年完成的“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View)探讨了互联网在发展早期为人们体察世界所带来的新视野。拉夫曼的艺术创作触及了科技对于当代意识的影响,结合网络世界的丰富词汇,创造出与现今世界具有批判性关联的诗意叙事。拉夫曼深入研究了网络世界的亚文化,在其影像作品中分析了多人视频游戏和诸如《第二人生》等3D虚拟社区的用户行为。他的影像作品常常呈现执迷的主人公,他们的生活围绕着网络游戏和其他数字空间活动,被介于真实生活和数字现实之间的超个性化思维所吸引。拉夫曼的作品对这种现象进行了微妙地探索,同时又不做出道德判断。他的影像和装置作品充满机智与奇幻,并伴随深刻的忧虑感。

拉夫曼入选本届威尼斯双年展的两件作品,以批判性的角度讲述了当今互联网文化的阴暗面,并想象了随之所带来的反乌托邦科幻未来。

今年12月21日即将举办的深港城市/建筑双城双年展,拉夫曼也是参选艺术家。在本届建筑双年展开幕前夕,FT中文网《谈艺录》与拉夫曼探讨了他参加威双的影像作品、作为新媒体艺术家的创作历程,以及对于未来数字媒体艺术,特别是人工智能(AI)和虚拟现实(VR)的预见。

艺术家乔恩•拉夫曼1981年出生于加拿大蒙特利尔,以跨媒介的艺术创作而闻名。其作品包括摄影、雕塑、影像、虚拟现实及装置。拉夫曼曾经在加拿大麦吉尔大学学习哲学和文学,之后获得芝加哥艺术学院的艺术创作硕士学位。

拉夫曼最近几年的个展包括:“精神旅行者”(The Mental Traveller),Fondazione Modena Arti Visive (2018);“梦的日记16’-17’“,Sprueth Magers Berlin (2017);”我有一万只复眼,每只都被称为苦难“,阿姆斯特丹Stedelijk美术馆(2016)、曼斯特威斯费利舍尔艺术馆(Westfälischer Kunstverein, Munster)(2016)、蒙特利尔当代艺术馆(Musée d’art Contemporain de Montréal)(2015)。拉夫曼的作品被全球各大美术馆所收藏,包括:纽约现代艺术博物馆(Museum of Moder Art)、阿姆斯特丹Stedelijk美术馆、斯德哥尔摩现代艺术博物馆(Moderna Museet)等。

吴可佳:今年的威尼斯艺术双年展,主题为“愿你生于有趣的时代”,您在主题馆有两件影像作品参展。能否和我们谈谈,选择这两件作品有怎样的考虑?

乔恩•拉夫曼:今年“威双”我参展的影像之一,“梦的日记 2016-2019”(Dream Journal 2016-2019),是与本次双年展主题相契合的。这个作品开始于2016年,我每做一个梦,就详细记录下来:梦中是怎样的情景等等,然后发给我在网上找到的一名电脑动画制作师,由他将这些描述转为电脑动画。我从来没见过他,我们只是通过网上联络。

这个过程差不多持续了三年,之后我将这些动画剪辑,建立一个故事主线,确定了故事的主角,以及她的各种冒险历程。虽然作品的创作过程来源于油然而生的梦境,但成形后的作品揭示了当代世界潜意识的诸多元素。

吴可佳:我曾经看过这帧影像早期比较短的版本。在今年“威双”期间展出的是一个加长的版本吗?

乔恩•拉夫曼:我试图展现一个永无止境的故事,可以不断地发展下去。2019年“威双”展出的是最新的故事版本,相比你之前看到的那个版本(可能是2016-2017年的版本),我增加了一小时的内容,与以前的内容做了衔接。

吴可佳:回到这件作品的创作过程,可以想象在过去几年中产生的梦境本身是碎片状态、不连贯的。所以在创作中,您是否试图建立一个线性的叙事过程?

乔恩•拉夫曼:是的。我首先将梦境中的基本元素记录下来,转化为动画场景后,就像你说的,找到能够将它们串起来的元素。在此基础上,建立一个连贯的故事线和发展脉络。

我虽然不想对作品中的影像做出任何解释,但也不希望观众在观看过程中失去注意力。因此你能看到,在这帧影像作品中,不停地发生各种事件,而我也特别设定了一个主角,这样观众就更容易持续性地观看作品。

吴可佳:那么您今年在“威双”参展的另一件作品,“阳光下的灾难”(Disasters Under The Sun )。它的创作过程又是怎样的?

乔恩•拉夫曼:“阳光下的灾难”的制作过程与“梦的日记”截然不同。这件影像作品上半部分的内容是基于我2017年在洛杉矶展出的作品“可怜的魔法”(Poor Magic)。在创作的过程中,我与另一位电脑动画制作师合作,采用了好莱坞电影中经常运用的计算机生成人群模拟技术。

我想象了一个反乌托邦的科幻未来:人类不再有具体的物理形式,而是被上传到服务器上,以AI的形式永久性地存在,超越了物质性。在这个科幻世界中,人类虽然获得了永生,却被邪恶的AI不断地折磨。

当我用计算机图形工具时,我会参照那些被用来创作好莱坞大片中奇幻景观的关键结构,将它们简化为核心元素来进行探索——我为巴黎世家(Balenciaga)创作的影像作品也采用了类似的工作方式——将这些核心元素分解为不同的计算机生成模拟场景,并相应创造不同的环境和氛围。这个复杂的过程很难用语言来解释。

(注:巴黎世家2019年春夏时装发布会聘请拉夫曼进行了T台效果设计、以及该季发布的视频短片创作。)

吴可佳:那么这两件作品是如何切入今年“威双”的主题呢?

乔恩•拉夫曼:我认为“梦的日记”是关于人类学及下一代思想会发生什么的警示故事,也探讨了下一代如何看待我们消费媒体的方式,比如无休止的推特(Twitter)、Instagram等不断轰炸的信息碎片。

我的初衷是想创作一件影像作品来反映一个今天活着的人的思想状态:前一分钟你读到国外战争的新闻,随后你读到朋友的爱情生活,下一分钟你又看到本地新闻和发生的新事件。我们今天所获得的信息量,比过去要大得多,但它们之间并没有什么联系。

“阳光下的灾难”探索了我所能想象的最恐怖的未来,即未来不为人类所控制,而被没有任何情感的人工智能所控制。虽然表面上看,这是一个反乌托邦的科幻未来,但本质上,它描述了一个更为夸张的现实世界:当今我们的生活被一批大型科技公司所控制,它们通过掌握海量数据,试图操纵我们,我们每人的个体沦为影像中那些没有脸部特征的小蓝人。

这两件作品都反映了一个“有趣的时代”,即讨论了媒体与科技对我们的精神和意识、特别是潜意识的影响,以及科技如何令我们失去人性。

吴可佳:下面咱们来聊聊您作为艺术家的成长历程:您最初是怎么决定成为艺术家的、并如何选择最适合自己的创作语言?

乔恩•拉夫曼:我本科在加拿大麦吉尔大学学习哲学和英国文学,后来在芝加哥艺术学院获得了新媒体与影像专业的硕士学位。研究生期间,我一直在寻找一个艺术家的群落与社区,一批想法与志向相似的艺术家,相互合作,创造一个电影艺术流派,就像法国六十年代的“新浪潮”。当时的梦想是做职业电影人,比较幼稚。

毕业后我回到蒙特利尔,那时经济上非常窘困。后来接触到了一个网络上的艺术家群落,他们的创作灵感基于互联网,他们之间也合作了一段时间。这是互联网第一次全面普及,基本上成了人们日常生活的延申。对于每个人来说,互联网成为了一种新现象,给人们带来新语言和新词汇。这大概是在2007年前后。

我感觉和这批艺术家产生了共鸣——他们的创作充满了能量——就决定开始专注创作以网络为灵感的艺术作品。我那时的艺术项目包括2010年的“第二人生”(Second Life)和2011年的“谷歌街景的九眼”(The Nine Eyes of Google Street View)(注:作品名称源自谷歌拍摄街景的车上安装的九个摄像头,作品图像的素材来自于谷歌的街景。)。

“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View) (2011)

在这些作品的创作过程中,我将自己视为互联网文化的一部分,感觉上网冲浪本身就是一种创造性行为、或是好奇心实践的一部分。我和一批艺术家都在探索这个新的在线世界,通过创作不同的作品,我探索并记录了这一旅程。

例如:在谷歌街景出现之前,从未有人试图通过在公路上驾车的视角来拍摄整个世界。在“第二人生”的作品中,我沉迷于“第二人生”的游戏,在其中徘徊,只是看到了自己。

我想指出的是,这一切都发生在全球互联网普及的早期阶段,与现在的情况不同。我那时的作品也更为浪漫、更理想化,因为当时网络所引发的二元化的世界还没有出现,我和我的艺术家朋友们认为,互联网充满了潜力,更为民主,更多的人能够通过互联网发声。但在过去十年,互联网变得越来越黑暗,我近期的作品则体现了互联网更黑暗的一面。

吴可佳:您毕业后回到蒙特利尔,经济窘境,后来是如何经历事业的转折呢?

乔恩•拉夫曼: 我可以说是第一代网络艺术家,通过互联网做创作、树立自己的声望,并在网络上建立一批支持者和粉丝群体。在某种程度上,互联网也迫使我这样做。因为我当时没有其他收入,只能用手上有限的资源来创作艺术作品。通过互联网,我能够到达世界上任何一个角落,而且用Photoshop、图片合成等技术,在网上做展览。

后来,艺术市场开始关注我们这些通过互联网进行创作的艺术家。在2014年初,我的经济情况开始改善。之后陆陆续续的,就有些画廊给我举办展览。当时所遇到的挑战是,你如何将那批在互联网上完成的作品在画廊的空间里呈现。当然,现在这个问题已经不重要了。

吴可佳:现在我们来谈谈您创作风格的变化:您这几年的作品总有种预示灾难即将降临的感觉。从之前较为浪漫、乐观的作品风格到近期,作为艺术家您经历了怎样的变化?

乔恩•拉夫曼:从人文学历史来看,我们总是在反复经历这样的过程。例如:法国大革命初期,人们对它充满了理想主义、浪漫及乐观的情怀,而到后来,对法国大革命又充斥了批评与不满。那么对于互联网也有相似的过程,在互联网发展的早期,大家对它在各方面将带来的革命性的影响均抱有很高的期望,包括社会生活和艺术创作等等。

但是今天,我有时甚至希望互联网不存在。在互联网上,人们的交流不需要见面,虽然它带来了高效率,但与此同时造成的后果是人际关系的疏离。对于那些在现实生活中无法对话的人群,互联网则给他们带来非常黑暗的体验。我不想对此进行道德判断,因为技术的创新无法简单地定义为善良或者邪恶。但目前整体的互联网环境是毒害性更强。

吴可佳:从艺术家的角度,当您创作一批关于互联网之阴暗面的作品时,对自己在心理上有怎样的影响?

乔恩•拉夫曼:这是个比较难回答的问题,因为技术对我们心理的影响有时候是间接的。我不认为互联网在毁掉年轻人,它反而为年轻人提供了一种精神上的出口,让他们不至于做出疯狂的事情。 虚拟世界和现实世界是有区别的,我的作品不但体现了这一点,我也在创作中抗争:人们对于虚拟世界所存在的不现实的幻想。

吴可佳:这些年艺术界对于未来数字艺术的发展有很多讨论,包括虚拟现实(VR)、人工智能(AI)等。您怎么看数字艺术的未来?

乔恩•拉夫曼:我们的时代不同了,我想说的是,在今天一位画油画的艺术家,所受互联网的影响,完全不亚于任何进行数字艺术创作的艺术家。我觉得所谓数字和非数字艺术的分类,越来越没有意义。

好的艺术家不会受媒介的限制,他(她)能用不同的媒介、从现实世界中的不同视角来进行创作。科技、艺术史、社会元素等等,这些都是整合在一起的。

对于虚拟现实技术,我曾经以它为媒介进行创作,也认为它具有一系列有趣的潜质。尽管如此,目前的虚拟现实技术也有其局限性:例如,人们不愿意长时间被困在一个虚拟现实头盔(VR Headset)中。我也很好奇,未来几年,虚拟现实技术将发生怎样的变化。

关于AI,尽管有它的潜力,但我个人也对其抱有批评的态度。人们对于什么是AI的定义,还没有达成完全统一的意见。一批大型科技公司掌握了海量数据,以算法程序(algorithm) 对人们的行为进行分析,组织这个世界的信息,每个人都被简化为“0”或者”1“的符号,这是很恐怖的事情。■ 



(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    service@or123.top)




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撰文 | 吴可佳

OR--商业新媒体 】在刚刚结束的第58届威尼斯艺术双年展上,加拿大艺术家乔恩•拉夫曼(Jon Rafman)有两件影像作品入选主题展:“梦的日记”(Dream Journal)和“阳光下的灾难”(Disasters under the Sun)。作为全球当前最知名的新媒体艺术家之一,拉夫曼是最早的一批以互联网为创作媒介的艺术家。他的成名作——于2008年开始创作、2011年完成的“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View)探讨了互联网在发展早期为人们体察世界所带来的新视野。拉夫曼的艺术创作触及了科技对于当代意识的影响,结合网络世界的丰富词汇,创造出与现今世界具有批判性关联的诗意叙事。拉夫曼深入研究了网络世界的亚文化,在其影像作品中分析了多人视频游戏和诸如《第二人生》等3D虚拟社区的用户行为。他的影像作品常常呈现执迷的主人公,他们的生活围绕着网络游戏和其他数字空间活动,被介于真实生活和数字现实之间的超个性化思维所吸引。拉夫曼的作品对这种现象进行了微妙地探索,同时又不做出道德判断。他的影像和装置作品充满机智与奇幻,并伴随深刻的忧虑感。

拉夫曼入选本届威尼斯双年展的两件作品,以批判性的角度讲述了当今互联网文化的阴暗面,并想象了随之所带来的反乌托邦科幻未来。

今年12月21日即将举办的深港城市/建筑双城双年展,拉夫曼也是参选艺术家。在本届建筑双年展开幕前夕,FT中文网《谈艺录》与拉夫曼探讨了他参加威双的影像作品、作为新媒体艺术家的创作历程,以及对于未来数字媒体艺术,特别是人工智能(AI)和虚拟现实(VR)的预见。

艺术家乔恩•拉夫曼1981年出生于加拿大蒙特利尔,以跨媒介的艺术创作而闻名。其作品包括摄影、雕塑、影像、虚拟现实及装置。拉夫曼曾经在加拿大麦吉尔大学学习哲学和文学,之后获得芝加哥艺术学院的艺术创作硕士学位。

拉夫曼最近几年的个展包括:“精神旅行者”(The Mental Traveller),Fondazione Modena Arti Visive (2018);“梦的日记16’-17’“,Sprueth Magers Berlin (2017);”我有一万只复眼,每只都被称为苦难“,阿姆斯特丹Stedelijk美术馆(2016)、曼斯特威斯费利舍尔艺术馆(Westfälischer Kunstverein, Munster)(2016)、蒙特利尔当代艺术馆(Musée d’art Contemporain de Montréal)(2015)。拉夫曼的作品被全球各大美术馆所收藏,包括:纽约现代艺术博物馆(Museum of Moder Art)、阿姆斯特丹Stedelijk美术馆、斯德哥尔摩现代艺术博物馆(Moderna Museet)等。

吴可佳:今年的威尼斯艺术双年展,主题为“愿你生于有趣的时代”,您在主题馆有两件影像作品参展。能否和我们谈谈,选择这两件作品有怎样的考虑?

乔恩•拉夫曼:今年“威双”我参展的影像之一,“梦的日记 2016-2019”(Dream Journal 2016-2019),是与本次双年展主题相契合的。这个作品开始于2016年,我每做一个梦,就详细记录下来:梦中是怎样的情景等等,然后发给我在网上找到的一名电脑动画制作师,由他将这些描述转为电脑动画。我从来没见过他,我们只是通过网上联络。

这个过程差不多持续了三年,之后我将这些动画剪辑,建立一个故事主线,确定了故事的主角,以及她的各种冒险历程。虽然作品的创作过程来源于油然而生的梦境,但成形后的作品揭示了当代世界潜意识的诸多元素。

吴可佳:我曾经看过这帧影像早期比较短的版本。在今年“威双”期间展出的是一个加长的版本吗?

乔恩•拉夫曼:我试图展现一个永无止境的故事,可以不断地发展下去。2019年“威双”展出的是最新的故事版本,相比你之前看到的那个版本(可能是2016-2017年的版本),我增加了一小时的内容,与以前的内容做了衔接。

吴可佳:回到这件作品的创作过程,可以想象在过去几年中产生的梦境本身是碎片状态、不连贯的。所以在创作中,您是否试图建立一个线性的叙事过程?

乔恩•拉夫曼:是的。我首先将梦境中的基本元素记录下来,转化为动画场景后,就像你说的,找到能够将它们串起来的元素。在此基础上,建立一个连贯的故事线和发展脉络。

我虽然不想对作品中的影像做出任何解释,但也不希望观众在观看过程中失去注意力。因此你能看到,在这帧影像作品中,不停地发生各种事件,而我也特别设定了一个主角,这样观众就更容易持续性地观看作品。

吴可佳:那么您今年在“威双”参展的另一件作品,“阳光下的灾难”(Disasters Under The Sun )。它的创作过程又是怎样的?

乔恩•拉夫曼:“阳光下的灾难”的制作过程与“梦的日记”截然不同。这件影像作品上半部分的内容是基于我2017年在洛杉矶展出的作品“可怜的魔法”(Poor Magic)。在创作的过程中,我与另一位电脑动画制作师合作,采用了好莱坞电影中经常运用的计算机生成人群模拟技术。

我想象了一个反乌托邦的科幻未来:人类不再有具体的物理形式,而是被上传到服务器上,以AI的形式永久性地存在,超越了物质性。在这个科幻世界中,人类虽然获得了永生,却被邪恶的AI不断地折磨。

当我用计算机图形工具时,我会参照那些被用来创作好莱坞大片中奇幻景观的关键结构,将它们简化为核心元素来进行探索——我为巴黎世家(Balenciaga)创作的影像作品也采用了类似的工作方式——将这些核心元素分解为不同的计算机生成模拟场景,并相应创造不同的环境和氛围。这个复杂的过程很难用语言来解释。

(注:巴黎世家2019年春夏时装发布会聘请拉夫曼进行了T台效果设计、以及该季发布的视频短片创作。)

吴可佳:那么这两件作品是如何切入今年“威双”的主题呢?

乔恩•拉夫曼:我认为“梦的日记”是关于人类学及下一代思想会发生什么的警示故事,也探讨了下一代如何看待我们消费媒体的方式,比如无休止的推特(Twitter)、Instagram等不断轰炸的信息碎片。

我的初衷是想创作一件影像作品来反映一个今天活着的人的思想状态:前一分钟你读到国外战争的新闻,随后你读到朋友的爱情生活,下一分钟你又看到本地新闻和发生的新事件。我们今天所获得的信息量,比过去要大得多,但它们之间并没有什么联系。

“阳光下的灾难”探索了我所能想象的最恐怖的未来,即未来不为人类所控制,而被没有任何情感的人工智能所控制。虽然表面上看,这是一个反乌托邦的科幻未来,但本质上,它描述了一个更为夸张的现实世界:当今我们的生活被一批大型科技公司所控制,它们通过掌握海量数据,试图操纵我们,我们每人的个体沦为影像中那些没有脸部特征的小蓝人。

这两件作品都反映了一个“有趣的时代”,即讨论了媒体与科技对我们的精神和意识、特别是潜意识的影响,以及科技如何令我们失去人性。

吴可佳:下面咱们来聊聊您作为艺术家的成长历程:您最初是怎么决定成为艺术家的、并如何选择最适合自己的创作语言?

乔恩•拉夫曼:我本科在加拿大麦吉尔大学学习哲学和英国文学,后来在芝加哥艺术学院获得了新媒体与影像专业的硕士学位。研究生期间,我一直在寻找一个艺术家的群落与社区,一批想法与志向相似的艺术家,相互合作,创造一个电影艺术流派,就像法国六十年代的“新浪潮”。当时的梦想是做职业电影人,比较幼稚。

毕业后我回到蒙特利尔,那时经济上非常窘困。后来接触到了一个网络上的艺术家群落,他们的创作灵感基于互联网,他们之间也合作了一段时间。这是互联网第一次全面普及,基本上成了人们日常生活的延申。对于每个人来说,互联网成为了一种新现象,给人们带来新语言和新词汇。这大概是在2007年前后。

我感觉和这批艺术家产生了共鸣——他们的创作充满了能量——就决定开始专注创作以网络为灵感的艺术作品。我那时的艺术项目包括2010年的“第二人生”(Second Life)和2011年的“谷歌街景的九眼”(The Nine Eyes of Google Street View)(注:作品名称源自谷歌拍摄街景的车上安装的九个摄像头,作品图像的素材来自于谷歌的街景。)。

“谷歌街景的九眼“(The Nine Eyes of Google Street View) (2011)

在这些作品的创作过程中,我将自己视为互联网文化的一部分,感觉上网冲浪本身就是一种创造性行为、或是好奇心实践的一部分。我和一批艺术家都在探索这个新的在线世界,通过创作不同的作品,我探索并记录了这一旅程。

例如:在谷歌街景出现之前,从未有人试图通过在公路上驾车的视角来拍摄整个世界。在“第二人生”的作品中,我沉迷于“第二人生”的游戏,在其中徘徊,只是看到了自己。

我想指出的是,这一切都发生在全球互联网普及的早期阶段,与现在的情况不同。我那时的作品也更为浪漫、更理想化,因为当时网络所引发的二元化的世界还没有出现,我和我的艺术家朋友们认为,互联网充满了潜力,更为民主,更多的人能够通过互联网发声。但在过去十年,互联网变得越来越黑暗,我近期的作品则体现了互联网更黑暗的一面。

吴可佳:您毕业后回到蒙特利尔,经济窘境,后来是如何经历事业的转折呢?

乔恩•拉夫曼: 我可以说是第一代网络艺术家,通过互联网做创作、树立自己的声望,并在网络上建立一批支持者和粉丝群体。在某种程度上,互联网也迫使我这样做。因为我当时没有其他收入,只能用手上有限的资源来创作艺术作品。通过互联网,我能够到达世界上任何一个角落,而且用Photoshop、图片合成等技术,在网上做展览。

后来,艺术市场开始关注我们这些通过互联网进行创作的艺术家。在2014年初,我的经济情况开始改善。之后陆陆续续的,就有些画廊给我举办展览。当时所遇到的挑战是,你如何将那批在互联网上完成的作品在画廊的空间里呈现。当然,现在这个问题已经不重要了。

吴可佳:现在我们来谈谈您创作风格的变化:您这几年的作品总有种预示灾难即将降临的感觉。从之前较为浪漫、乐观的作品风格到近期,作为艺术家您经历了怎样的变化?

乔恩•拉夫曼:从人文学历史来看,我们总是在反复经历这样的过程。例如:法国大革命初期,人们对它充满了理想主义、浪漫及乐观的情怀,而到后来,对法国大革命又充斥了批评与不满。那么对于互联网也有相似的过程,在互联网发展的早期,大家对它在各方面将带来的革命性的影响均抱有很高的期望,包括社会生活和艺术创作等等。

但是今天,我有时甚至希望互联网不存在。在互联网上,人们的交流不需要见面,虽然它带来了高效率,但与此同时造成的后果是人际关系的疏离。对于那些在现实生活中无法对话的人群,互联网则给他们带来非常黑暗的体验。我不想对此进行道德判断,因为技术的创新无法简单地定义为善良或者邪恶。但目前整体的互联网环境是毒害性更强。

吴可佳:从艺术家的角度,当您创作一批关于互联网之阴暗面的作品时,对自己在心理上有怎样的影响?

乔恩•拉夫曼:这是个比较难回答的问题,因为技术对我们心理的影响有时候是间接的。我不认为互联网在毁掉年轻人,它反而为年轻人提供了一种精神上的出口,让他们不至于做出疯狂的事情。 虚拟世界和现实世界是有区别的,我的作品不但体现了这一点,我也在创作中抗争:人们对于虚拟世界所存在的不现实的幻想。

吴可佳:这些年艺术界对于未来数字艺术的发展有很多讨论,包括虚拟现实(VR)、人工智能(AI)等。您怎么看数字艺术的未来?

乔恩•拉夫曼:我们的时代不同了,我想说的是,在今天一位画油画的艺术家,所受互联网的影响,完全不亚于任何进行数字艺术创作的艺术家。我觉得所谓数字和非数字艺术的分类,越来越没有意义。

好的艺术家不会受媒介的限制,他(她)能用不同的媒介、从现实世界中的不同视角来进行创作。科技、艺术史、社会元素等等,这些都是整合在一起的。

对于虚拟现实技术,我曾经以它为媒介进行创作,也认为它具有一系列有趣的潜质。尽管如此,目前的虚拟现实技术也有其局限性:例如,人们不愿意长时间被困在一个虚拟现实头盔(VR Headset)中。我也很好奇,未来几年,虚拟现实技术将发生怎样的变化。

关于AI,尽管有它的潜力,但我个人也对其抱有批评的态度。人们对于什么是AI的定义,还没有达成完全统一的意见。一批大型科技公司掌握了海量数据,以算法程序(algorithm) 对人们的行为进行分析,组织这个世界的信息,每个人都被简化为“0”或者”1“的符号,这是很恐怖的事情。■ 



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